梵高《鳶尾花》，但你的這幅貌似是網友自己臨摹的，不是原作，原作如下《鳶尾花》，荷蘭，梵高，1889年，畫布油畫，71x93cm，美國加州保羅蓋茲美術館藏作品簡介《鳶尾花》是梵高到圣雷米精神病院之后最早完成的作品之一。畫中色彩豐富，線條細致而多變，左邊的白花與最右方的淺藍花相呼應。畫家細心安排花朵位置，引導觀者視線。整個畫面充滿律動及和諧之感。1988年11月11日，《鳶尾花》以5300萬美元的天價賣出，震驚了世界也引起了一些爭論，有人在報上呼吁：“文化和商業要保持道義上的距離”。 《鳶尾花》是梵高于1889年5月完成的一幅作品，鳶尾花很平凡，同向日葵一樣。梵高畫她，是在期許生命的粲然。用心向花敘述衷腸，把血給予了花的根，把眼睛給了花的掰，把自己也期許了花。如同詩人林莆筆下的“梅妻”。《鳶尾花》，是梵高靈魂的天堂鳥。1892年，唐基（梵高的朋友）以300法郎的價格，將這幅畫賣給了評論家奧克塔夫·米爾博。他是梵高作品最早的賞識者之一，這幅畫像和許多其他的梵高的畫一樣，在他死后不斷地買賣，1988年在拍賣會上，有人叫出了5300萬美元的天價。我們由此可以看出人們對“價值”的認識及衡量。梵高就是梵高，他的畫，也對經濟規律的現象作了詮釋。創作思路《鳶尾花》，插在花瓶里，但見她孤單的綻放。充滿古怪般灼眼的熱情，透出很是奪人眼目的精巧，還有那誘惑人心搶眼色彩，這就是梵高自己。一遍、二遍 …… 遠遠近近、上上下下 …… 盡管我們只看見花的局部，也許梵高所要表現的思想，就是要她沉埋在水底，不見真灼、不見水。 …… 像人？像心靈？像生命？被藏在瓶子里的是粗壯的根，被藏在歲月里的是叵測的人心？梵高要在畫面下藏住什么？《鳶尾花》，畫面上的花依稀是模樣怪異狀，但細細品味中，鼻間處飄過那濃烈的氣味，淡淡地、陣陣地、傳說中的“味”，好似刻在你的畫盤上、你的心上，繼而翩躚飛舞著。宛如我們心靈，不語的期盼和那藍紫色的淺淺的回憶。也極像我們將要綻放的青春一樣，飛揚與燃燒在火紅的歲月，盡管也要殆盡。但那美麗、那光芒、那生機，就在你注視瞬間的鮮活中像火山樣噴薄。是炫耀與歡樂，是宣泄與任性，那樣的記憶，那樣的刻骨銘心。也許人們在歷史的回放片段中，在生物進化鏈上，似乎早已遺忘了過去那寂寞的衣角、陰郁的閣樓、深邃的世界。而只用贊嘆的目光，感受梵高，感受他寂寞、孤獨與死亡。只憑這一紙畫作的定格，拋棄梵高藍紫色的憂郁和灰褐色的悲傷，也拋棄了人們對自己心痛的靈魂與愧疚，一次又一次，一天又一天，永永遠遠。作品賞析《鳶尾花>為草本植物，五月開花，法國人視它為國花，認定它是光明和自由的象征。圖中的油畫《鳶尾花》價值5390萬美元，被視為全世界最昂貴的十幅畫之一，作者文森特·凡高是繼倫勃朗之后荷蘭最偉大的具有世界性影響的畫家，而當他在世的37年間，窮困潦倒，一共只賣出過1幅畫。但“藝術的價值與金錢毫不相干”，這是一幅很美的作品，凡高似乎也如同喜歡向日葵一樣喜歡畫這種植物，畫面中燦爛的藍紫色鳶尾花十分突出，它的花形恰似一群翩翩起舞的蝴蝶；作者巧妙地將它那郁郁蔥蔥的粉綠色葉子作了低調的處理與遠處的花草一同襯托出了鳶尾花的生動與靈性；再有地上紅赤泥土的陪襯打破了畫面冷色的調子，使得色彩對比強烈且和諧，并富有律動，色調也極其明亮，這正好體現出他“明亮一些，再明亮一些！”的口號，整幅畫面富有活力，洋溢著清新的氣息。鳶尾花本是一種很平凡的植物，但凡高賦予它精彩的形象與色彩以及永恒的生命力，這是一生浸在痛苦與無奈中度過的畫家對大自然的贊美，是對美好生活的向往。他畫的鳶尾花是那么的可愛，甚至有人認為它們比真正的花還美，還真實。作品評價凡高的《鳶尾花》這幅畫，整個空間幾乎都被鳶尾花所覆蓋，只有左下角的一小部分可以看到棕紅色的土地；而整個畫面上的鳶尾花大部分是藍色的，其吸引人的視點又著重在鳶尾花的葉子上，似乎這些大量的葉子是主角，而這些葉子的顏色是藍色的，如大海一樣普遍普通的藍色，是否象征著那些平凡的百姓，葉子的顏色在光的作用下，有點蒼白，是否預示著他們生活的艱難；他們所烘托出的美麗，又是那么的驕傲，這種驕傲騎在他們頭上，把他們的痛苦，都明朗地畫在哪里，確實是值得人們深思的。而她們仿佛一點兒感覺都沒有。由此，而這些葉子們的身體都開始扭曲著，但不失其本來的一股劍氣。而畫的左上角是紅色的鳶尾花星星點點的比較多，其底色稍為暗些，是否預示著高處也有暗淡的地方，正如與畫的左下角的土地的顏色可以形成上下呼應的構圖。同時，這幾種顏色的運用，又使整個畫面在色彩上層次很分明。而畫的靈魂之處，就在于光的運用，使整幅畫的生命充滿了蓬勃的生機。凡高在畫中還畫了一朵白色的鳶尾花，在整幅畫中顯得高貴而十分突兀，有點鶴立雞群的味道。再加上由于將鳶尾花的葉子畫得很柔軟開來。這是一種用波動的方法去畫的結果，就是突出強調了色彩所賦予的動感，給人以眼目一新的感受。但是，其本質性格的特征又是劍拔弩張的，這種{{BANNED}}的形象，是不是象征著某種美好的東西，要破土而出并且在人間長出精神之美來，是要歷經千辛萬苦之曲折的？不過，這幅畫好象世上的一個世界，這世界中的美是自然的。

有點像畢加索的感覺，但畢加索的更概括，精煉，更趨向于用簡單的直線曲線表達，很注重構成感而且，他總是使用色塊，用筆也很爽朗這張畫顏色感覺有點像瓷燒的，你確定是名家作的，是不是就是現代仿畢加索的風格作的裝飾畫

當代多以胖子為題材的油畫家，當屬哥倫比亞的，博特羅。網上可以查到。此人在美國的名氣大得很，中國好像不太重視。

著名油畫的名字是：《美國哥特式》。一個黑人女子表情嚴肅的拿著一個掃把，背靠拖把和美國國旗站在白宮某處。這是這幅作品的一句話說明。這幅照片是美國著名黑人攝影家、著名電影導演戈登·帕克斯在1942年拍攝的，模特艾拉·沃特森是當時在白宮的清潔女工。油畫《美國哥特式》畫面上男人的眼睛直直地向前平視，雙唇緊閉，黃瘦的臉上表情十分嚴肅，鼻梁上一絲不茍地架著圓圓的眼鏡。他沾滿泥巴的手里拿著一個叉。從構圖上來看，這個叉與人物橢圓形的臉和人物身后哥特式窗戶的線條相呼應。

挪威畫家愛德華·蒙克 (1863—1944)是二十世紀表現主義藝術先驅。童年父母雙亡心理陰郁，使他早年作品多疾病與死亡主題。1892年起定居德國16年。他在憂郁、驚恐的精神控制下，以扭曲的線型圖式表現他眼中的悲慘人生，對德國表現主義藝術產生了決定性的影響，成為“橋派”畫家領袖。1890年，他開始創作他一生中最重要的系列油畫作品“生命組畫”。基本主題為謳歌“生命、愛情和死亡”，采用象征和隱喻的手法，揭示了人類“世紀末”的憂慮與恐懼。這套組畫中最為強烈和最富刺激性的一幅就是《吶喊》，是1893年完成的。成為蒙克重要代表作品之一，也是表現主義繪畫著名的作品。在這幅畫上，蒙克以極度夸張的筆法，描繪了一個變了形的尖叫的人物形象，把人類極端的孤獨和苦悶，以及那種在無垠宇宙面前的恐懼之情，表現得淋漓盡致。蒙克曾經這樣描述：“我和朋友一起去散步，太陽快要落山時，突然間，天空變得血一樣的紅，一陣憂傷涌上心頭，深藍色的海灣和城市，是血與火的空間。朋友相繼前行，我獨自站在那里，突然感到不可名狀的恐怖和戰栗，大自然中仿佛傳來一聲震撼宇宙的吶喊。”

布格羅《幸福的靈魂》簡介：英文名稱he Rapture of Psyche；作品取材于古羅馬神話的愛神丘比特與普塞克的故事，不過主要著力描繪著普塞克在愛神的懷中陶醉的場景。作者借助“愛神”的主題而盡善盡忠地彰顯人類的偉大情愛和人體的神采之美。畫中塑造了充滿詩意的神話人物形象，男女情愛關系被刻劃得維妙維肖。在羅馬神話中，國王的女兒普塞克有著驚人的美貌，民眾都把她當作女神崇拜，這觸怒了美神維納斯。妒火中燒的女神決定懲罰普塞克，讓她嫁給世上最卑賤最不幸的人。然而，維納斯的兒子，小愛神丘比特愛上了這個純潔無辜的少女。他違抗了母親的命令，與普塞克結了婚。事情是不會一帆風順的。小愛神被軟禁了起來，普塞克則不得不替女神維納斯完成一項艱險的任務：為維納斯帶回一些死亡女神－－普羅塞爾皮娜的美色。普塞克歷盡千難萬險，終于成功，但她沒能抵住好奇心，打開了盛著死亡女神美色的小盒子－－原來普羅塞爾皮娜的美色就是死亡！小愛神丘比特設計逃脫，終于找到了普塞克。他悲痛欲絕地俯下身，親吻心愛的人。奇跡出現了，普塞克的心臟開始跳動起來，蒼白的面龐漸漸恢復了血色－－她復活了！愛之吻讓靈魂復活，靈魂在與愛的結合中獲得幸福。

總結

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