顏料本身上：油畫是油性顏料，用油調色，國畫用墨，或國畫顏料（包括礦物顏料和植物顏料）畫質上:油畫畫在亞麻布等布料上，國畫用的是宣紙畫的風格上：油畫顏色多次覆蓋，普遍較厚，有抽象，具象和印象；國畫有的有留白，有的有題字，講究意境，大多不寫實。裝裱方面：油畫有框，沒有玻璃鏡片；國畫有的是玻璃框，有的就是卷軸，無框無鏡片，可以卷起，方便攜帶

油畫 《青年女歌手》是靳尚誼的作品。《青年女歌手》畫的是一個穿著黑色緊身背心的少女，坐在一幅中國古典山水畫前。畫中人端莊大方，含蓄溫婉，魅力四射。 這幅油畫給人的感覺很特別——畫家別出心裁地將一個現代美女與中國北宋的山水畫通過西方油畫的形式融為一體，真實傳神的西畫筆觸中透露出中國傳統的意象與韻味,使厚重的中國文化積淀與現代中西生活渾然交融。作品在色調把握和節奏控制上處理得天衣無縫，把一個現代東方美女含蓄而質樸、沉穩而自信的人物特點表現的真切可感、淋漓盡致。靳尚誼（1934年12月－），中國油畫家，河南焦作人。靳曾任中央美術學院院長兼油畫系教授，現任中國美術家協會主席、中國文聯副主席。1953年畢業于中央美院繪畫系。1957年結業于馬克西莫夫油畫訓練班，并留校在版畫系教授素描課；1962年調入油畫系第一畫室任教。原中央美院院長。作品多次獲得國內外大獎，并被中國美術館等機構和個人收藏。

《霧海上的漫游者》，1818年，德國，卡斯帕·大衛·弗里德里希，木板油畫，74.8x94.8m，漢堡藝術館藏《霧海上的漫游者》（The wanderer above the sea of fog）是一幅大名鼎鼎的油畫作品，代表德國浪漫主義繪畫的成就。對這幅畫的解讀五花八門。有的說，弗里德里希的這幅畫，強調的是知識人的孤獨感，可以看到在斷崖上拄著拐杖的一個人的背影，他正自信地注視著茫茫云海環繞著的群山。有的說，這個形象恰如其分地表達了我們對未來及其風險的感受。如果我們和畫中人一樣，想穿透時間的迷霧，展望未來，就會發現眼前的景物狂亂不羈，混沌不明，如墜五里霧中，只能辨認出模糊的輪廓。還有的說，這是勝利的攀登者，他提著一根手杖，霧靄在他身周繚繞，他踏著嶙峋的巖石，不停向上、向上，終于越過重重云靄，登上山巔， 俯視著下方無限壯觀、變幻萬千的云海。而德國著名思想家、作家歌德則從這幅畫中看到弗里德里希如此迷戀大氣、云、廢墟和墓地，認為這些浪漫主義元素是不健康的。畫面上，男人背對我們，站在石頭頂端。他的位置如此之高，面前的風景都已消失在云下。他到達的所在，與其他任何目的地絕不相同，這里群峰會聚，是一切之中心。長長的手杖杵在石中，他一條腿踏前，表現出社會上紳士的優雅。他毫無賣弄之姿態，但人們卻能從中看出英勇果決的味道，一種達成功業的感覺。一場狩獵之后的獵人會做出同樣姿勢，或是剛剛戰勝歌利亞的大衛，正像文藝復興時期的雕刻那樣，也許巨人沾滿血的頭就在他腳下。這姿態屬于英雄，圣經中的王，屬于男人中的領袖。石頭的尖角讓他看到無限。他是船首人像，在一艘無形的船上。賞畫者受邀與他分享這一獨特時刻的完美，經過漫長而又危險的攀登之后收獲的完美。因為，即使沒有其他征服的事跡，這穿著大衣的男人至少攀爬了這座高山，達到如此高度，讓他一覽無上美景。畫中圖景充滿誘惑，但它卻建立在荒謬之上。什么樣的男人，穿成這種樣子，還能爬這么高？不可否認，畫家加入了一些不協調的元素：幾縷亂發飄在風中。但這說明不了什么，只是表明某種浪漫的能量，某個冷眼旁觀傳統習俗的人表現出的受到克制的熱情：他的頭發可能在風中飄，但他堅強有力的手掌控著大局，秩序占了上風。云隱藏大地，遮蔽高險的懸崖，把一切簡化。景色中一切細節都已消失，世界遙遠難及：他從遠處觀察。他看到了，或者在想象它，仿佛一個和諧的空間因為某些不幸的事故、某些歷史中的失敗和問題，碎為幾片。石頭從這里那里冒出來，提醒我們：下面，戰火彌漫，障礙叢生，直面自由和層出不窮的理想。弗里德里希的漫游者似乎在思考：是什么把自己和完整的自我實現分開？但是他為自己選擇了一種不同的人生觀，一種令人驕傲的孤獨，將自己置身于平庸的日常生活之上。在這里，在擁有成就的高度上，他享受不可思議的自由，這都出自于單純的景色，它們沐浴在云中。

挪威畫家愛德華·蒙克 (1863—1944)是二十世紀表現主義藝術先驅。童年父母雙亡心理陰郁，使他早年作品多疾病與死亡主題。1892年起定居德國16年。他在憂郁、驚恐的精神控制下，以扭曲的線型圖式表現他眼中的悲慘人生，對德國表現主義藝術產生了決定性的影響，成為“橋派”畫家領袖。1890年，他開始創作他一生中最重要的系列油畫作品“生命組畫”。基本主題為謳歌“生命、愛情和死亡”，采用象征和隱喻的手法，揭示了人類“世紀末”的憂慮與恐懼。這套組畫中最為強烈和最富刺激性的一幅就是《吶喊》，是1893年完成的。成為蒙克重要代表作品之一，也是表現主義繪畫著名的作品。在這幅畫上，蒙克以極度夸張的筆法，描繪了一個變了形的尖叫的人物形象，把人類極端的孤獨和苦悶，以及那種在無垠宇宙面前的恐懼之情，表現得淋漓盡致。蒙克曾經這樣描述：“我和朋友一起去散步，太陽快要落山時，突然間，天空變得血一樣的紅，一陣憂傷涌上心頭，深藍色的海灣和城市，是血與火的空間。朋友相繼前行，我獨自站在那里，突然感到不可名狀的恐怖和戰栗，大自然中仿佛傳來一聲震撼宇宙的吶喊。”

【山水畫定義】　　簡稱“山水”。以山川自然景觀為主要描寫對象的中國畫。形成于魏晉南北朝時期，但尚未從人物畫中完全分離。隋唐時始獨立，五代、北宋時趨于成熟，成為中國畫的重要畫科。傳統上按畫法風格分為青綠山水、金碧山水、水墨山水、淺絳山水、小青綠山水、沒骨山水等。[編輯本段]【演義歷史的長河——中國山水】　　中國山水畫是中國人情思中最為厚重的沉淀。游山玩水的大陸文化意識，以山為德、水為性的內在修為意識，咫尺天涯的視錯覺意識，一直成為山水畫演繹的中軸主線。從山水畫中，可以集中體味中國畫的意境、格調、氣韻和色調。再沒有那一個畫科能向山水畫那樣給國人以更多的情感。若說與他人談經辯道，山水畫便是民族的底蘊、古典的底氣、的圖像、人的性情。　　中國山水畫較之西方風景畫，起碼早了1000年。它所呈相的圖義，實際上是一部中國思想史。早在7000多年以前，先古的覺醒便以圖案方式紀錄下來。新石器的河姆渡文化，已用線刻表達著觀念性文化的內涵，定居的農耕文明起源，不僅讓人認知了工具美，亦讓人于器之上認知了形上美。藝術不但是一種征服自然的想象，還是一種征服自然想象的象征。先古與自然一開始便用藝術的方式對活，邏輯的發現與藝術的鑒賞推演著人們的雙眼，讓一個天人合一的中國圖式由混頓而至清晰。　　自抑韶文化起，人與自然的關系便具有了象征性。在幾何裝飾的手法中，對稱、運動等構成概念己明顯地運用于時空的表現之中。特別讓人感動的是《稷神祟拜圖》。在以農立國的背景上，祭祀稷神一直成風。而這幅圖中的禾、田、人的關系傳達了先祖對生命意義的一種素樸理解。在沉淀了人與動物、植物的自然關系認知的基礎上，社會意識又成為最為關鍵的文明起源。滄源文化的《村落圖》，用巖畫形式記述了人類對農耕定居的“家”的理解。這幅畫最有視覺趣味的是以村落為中心的道路關聯，以及押俘、趕畜、祭天、跳神等場面圍繞正面中心的梯度延深，平面中的深度己在這幅畫中得到有力的體現。人與自然的關系，人與社會的關系，就這樣拌隨著藝術的看，不斷地深化與發展。　　到了秦漢時期，描繪勞動生活的場面，由鄉土而至皇權，殿堂宮室的壁畫成為時代的主流。這種以宮室喻家室的認信取向，使中國美術擺脫了原始形態。統治階級士大夫文化開始占主導地位。士者文化實現了與鄉土文化的分離。對于山水畫而言，這一分離是深刻的。若認真研究一下曲阜石刻的《庭院圖》，就會被其視錯覺創意震撼。這是兩種視覺沖突的藝術：在滿足正面的平視前題下，建筑物的平移重迭與傾斜重迭構成了矛盾的主要方面，兩種不同透視法則所致生的力的碰撞，使畫面具有了超現實的立體感。有趣的是，先賢的藝術家一開始便使用了縱橫平移重迭、視線具有深度卻不消失的重迭透視法則，而且在復合視域中能將正面與傾斜兩種透視法則藝術的沖突起來。應該說這一法則較之當今的西方立體派早了近兩千年。正如本書一再所講的，祖先的聰慧絕非三言兩語可以道白，只要認真地憑藉科學的雙眼走入先賢的思想，一定會發現經學方式能告知的更多更多。　　這種用視覺形式沖突所構成的藝術感動，在石刻畫的《春雨圖》、畫像磚的《宅門圖》、《收獲戈射圖》等等古遠經典中可以得到更為豐富的體驗。一個十分明顯的指向是，隨著人與自然、社會的認識關系的深入，人們看的方式也發生了變化，由觀念為象、裝飾為用、幾何為圖的原始圖式，演化為意志為象、生活為用、境界為圖的古典圖式。這一看的歷程，認信的積淀，山水畫構成要素的萌芽集合，都為山水畫的問世奠定了基礎。　　從個體生命的角度體驗天地宇宙的永恒，體味人在此中的自由，是魏晉山水詩的開啟。謝靈運的意義就是在文的自覺時注重形的依托，從哲學的本體論出發，追求玄遠的神超理得。真正代表中國山水情懷的是陶潛。陶詩是超越玄言的哲學深刻，它沒有放棄玄言詩的宇宙本體和生命本體的體悟，并通過某種特定的媒介去捕捉和體現這種體悟的本質和意義，把它們變成一種可觸知的東西。一個有藝術的創意，就是將親身體驗到的無形結構找到形狀。山水草木在陶詩中是真意深情，是體現中國精神的哲學，是超然事外，是平淡中和。　　顧凱之《洛神賦圖》局部　現今，用“確立”二字來正名山水畫的眾說是顧凱之的《洛神賦圖》和《女史箴圖》。在這類摹本的分析中，可以看到峰、石、云、水、樹的復雜表現。這位“發前人所未發，開后人之師承”的藝術家，第一次將山水搬上了中國美術的表現舞臺，他的《畫云臺山記》可算山水畫論的開山之作。雖然文題中心是趙升舍命從師的故事，但其環境刻劃部分卻成為中國山水畫的后來觀照。　　這一模板作用的確立，主要源于以下幾點：　　a.山有受光面、背影，水有倒影，祥云可成為東與西的重要觀照，水天的“空青”可托出有太陽的天氣。　　b.按照東西的順序排置遠近山峰，營造一個高峻險絕的境地。　　c.中段布局主要講求取勢的“對峙”，具有相對意義。　　d.東、西、中三段山要用“緊湊性”將長卷關聯起來。在山的三分之一以上部位，做清氣使之分為兩重。　　顧氏的理論之所以重要，在于他提出了行云流水的線性形狀，鳥瞰呼應的重迭形式，三段山、三分位的空間模式。　　被稱為中國第一篇山水畫論的是宋宗炳的《山水畫序》。宗氏提出了著名的透視法則：“豎畫三寸，當千刃之高；橫墨數尺，體百里之遠”。與宗氏同代的王微，亦是縱情丘壑的人物，他在《敘畫》中提出了“望秋云，神飛場；臨春風，思浩蕩”的怡情說，和“一管之筆，擬太虛之體；以判軀之狀，盡寸眸之明”的尺幅千里說。可以講，至魏晉以降，中國山水畫的遠取其勢、近取其質的核心認信已確立了邏輯起點，而空間視覺原則也得以邏輯的深化。[編輯本段]【第一度時空坐標——青綠山水】　　展子虔《游春圖》　　被宋徽宗題名為《展子虔游春圖》是青綠山水的開山之作。這幅畫呈顧氏筆脈，在六朝墨勾色暈的基礎上，創造了勾框填色的重彩青綠，開李氏父子青綠山水一派。這幅畫作的問世，標志著山水畫已成為一個獨立的畫科。盡管學術界對作者及年代多有爭議，但這并不妨礙人們對第一幅獨立山水畫作品的認知。　　創造山水畫金碧輝煌時代的是大小李將軍。時任武衛大將軍的李思訓以《江山樓閣圖》標一變之法，其筆墨達到了“夜聞水聲”的通神境地。其子李昭道“變父之勢，妙又過之”。二李的青綠山水可以說造百代影響，畫史界有人稱之為北宗之祖，歷代均有追隨，郭熙、范寬、劉松年、李唐、馬遠、夏珪、王晉卿、王希孟、趙伯駒、冷謙、仇英等都從中汲取著影響。　　山水畫的緣起，使中國畫發生了重大變化，形成了以山水為主，山水、人物、花鳥交替發展的格局。山水畫雖起步較晚，但較之人物、花鳥卻一直成為中國美學的主脈。這是一個特別值得研究的現象。為什么呢？在此給出一些基本認知：　　—、確立了知山樂水的圓覺之境：山水畫的緣起，是中國畫天人合一意境的歷史集成，是知山樂水大田園觀民居意識的集中體現。可以說，青綠山水的標樹確立了中國審美的一個重要基調：閑情逸致式的陶冶(至元時這一認知成為立信的基準)。人們在千秋永立的高山流水面前，品味到的是蕭條空寂與靜穆平和。圣者說的“道、理、性”均在山水面前頓捂圓覺，以終成情性。這種以山為樂、以水為知，以空為悟、以遠為覺的精神確立，這種天人合一的憂樂圓融意識，可望、可行、可游、可居的自然理想，是士者文化的一種精神，是素樸生命哲學的藝術體現。中國哲學在中國山水中找到了更為豐富和具體的內涵。　　二、確立了愈小而大的意蘊之理：中國古典最為重要的一個美學命題是愈小而大。在古典分析時指出的超以象外，追求言外之意、弦外之音、韻外之致的美學品地，就是對愈小而大這一命題的藝術理解。實際上，這是中國人用特殊的視錯覺審視圖像的藝術。一再說的中國畫咫尺千里法則，就是對這一命題的藝術揭示，它除了告知哲學以外，還告知一個極為獨特的透視原理，它讓人在一個相對穩定的整體情境中知覺物合一、象于無形的一種特殊的大象與大音，若說中國畫的感動，最大的致因莫過于此。　　三、確立了學科表現的語法規則：任何一個畫種，要想獨立于藝術之林，必須在語法結構上滿足復雜性與豐富性的要求。即本書多次強調的，必須藉助復雜的視錯覺結構實現自然物象的簡化。青綠山水的歷史意義在于：一方面它讓繪畫從宮室壁畫的人事為用、宗教理說中解脫出來，讓山水不再成為人事宗法的環境與陪襯，成為主要的精神寄托。另方面它在表現語言上第一次為山水畫定立了法度規則，系統地在構圖、設色、樹法、石法、水法、筆法、論說上進行了建樹。應該說系統的有學術的山水畫認知從這一時段起才真正進入了廣延與深刻。　　特別提及吳道子的疏體山水。一個著名的故事：千里江陵，吳道子一日而就；李思訓數月始成。說明疏密二體的山水畫在方法論上是截然不同的。疏體估計是邊際線的藝術（可能尚未觸摸到輪廊線）。由于這類畫作只緣于傳說，未見真跡，對于主張認真看而不是聽的來說，實在無法想象，只能把猜測留給想象力豐富的人，所能做的還是用自己的眼睛去看。　　當的雙眼移至中唐，兩類變化引起了山水畫新的認知：一是山水詩的美學成熟。王維、杜甫、白居易、元稹等詩性美學家，從不同角度深化了人們對詩意美（特別是詩境）的認知，以詩入畫成為一個重要的美學范式。一是禪宗美學的發展。道由心梧己成為士大夫重要的思想綱骨，在一個圓覺過程中，由“禪、心、參”的圓融而覺悟，以禪入畫亦成為一個重要的立境模式。詩境與禪境一經交匯，中國山水畫的大象、大音之境便油然而生。應該說，獨設道場的中國山水畫，基此才成為一個系統的思想構架。儒、釋、道的美知火花，在中國山水畫的意境中得以閃現升騰。中國山水畫的邏輯在思想火花的碰撞中得以演義新的革命。

一、作畫工具不同油畫是以用快干性的植物油（亞麻仁油、罌粟油、核桃油等）調和顏料，在畫布亞麻布，紙板或木板上進行制作的一個畫種。國畫主要指的是畫在絹、宣紙、帛上并加以裝裱的卷軸畫。國畫是中國的傳統繪畫形式，是用毛筆蘸水、墨、彩作畫于絹或紙上。工具和材料有毛筆、墨、國畫顏料、宣紙、絹等。二、畫面題材不同國畫題材以自然為主，油畫題材以人物為主。國畫在漢代以前，也以人物為主要題材。但到了唐代，山水畫即獨立。一直到今日，山水常為中國畫的正格。油畫自希臘時代起，一直以人物為主要題材。中世紀的宗教畫，大都以群眾為題材。例如《最后的審判》《死之勝利》等，一幅畫中人物不計其數。三、表現手法不同國畫注重意境，油畫注重透視法。透視法，就是在平面上表現立體物。油畫力求肖似真物，故非常講究透視法。試看油畫中的市街、房屋、家具、器物等，形體都很正確，竟同真物一樣。若是描走廊的光景，竟可在數寸的地方表出數丈的距離來。若是描正面的（站在鐵路中央眺望的）鐵路，竟可在數寸的地方表出數里的距離來。國畫就不然，不歡喜畫市街、房屋、家具、器物等立體相很顯著的東西，而歡喜寫云、山、樹、瀑布等遠望如天然平面物的東西。偶然描房屋器物，亦不講究透視法，而任意表現。例如畫庭院深深的光景，則曲廊洞房，盡行表示，好似飛到半空中時所望見的；且又不是一時間所見，卻是飛來飛去，飛上飛下，幾次所看見的。故中國畫的手卷，山水連綿數丈，好像是火車中所見的。中國畫的立幅，山水重重疊疊，好像是飛機中所看見的。因為中國人作畫同作詩一樣，想到哪里，畫到哪里，不能受透視法的拘束。所以中國畫中有時透視法會弄錯，但這弄錯并無大礙，不可用油畫的法則來批評國畫。

總結

以上是生活随笔為你收集整理的人与山油画是谁画的呢？的全部內容，希望文章能夠幫你解決所遇到的問題。

如果覺得生活随笔網站內容還不錯，歡迎將生活随笔推薦給好友。